Das Boot gleitet leicht und schnell über das Wasser. Wir lassen links das Ospedale "SS. Giovanni e Paolo" und rechts San Michele liegen, die Insel, auf der sich der gleichnamige Friedhof von Venedig befindet. Als wir an der Haltestelle "Tre Archi" aussteigen, befinden wir uns im von Touristen eher selten besuchten venezianischen Viertel Cannareggio, direkt vor dem Pflegeheim Casa di Riposo San Giobbe. Hier gewährt Davide Iodices Performance  Einblicke in den Alltag der Pflegebedürftigen.

Doch es wäre zu kurz gegriffen, Iodices Werk als Performance zu bezeichnen; es ist ein gemeinsames Erlebnis für rund dreißig Personen. Das Projekt entstand am Ende des 2025 in Senioreneinrichtungen ausgeführten Intensiv-Workshops "Enzyklopädie der Emotionen". Schon der Titel führt uns auf einen Zeitpfad in die Welt des Vergessens. Im Pflegeheim hängen überall Zettel mit den Namen der Gegenstände. Auch wir werden gebeten, unsere Namen auf Post-its zu notieren. Der neapolitanische Regisseur Davide Iodice nutzt diese Technik, um uns in Gespräche mit den Bewohnern zu verwickeln. Junge Betreuerinnen, die wie Krankenschwestern aussehen, sprechen uns mit Namen an, teilen uns in Zehnergruppen ein und geleiten uns durch die Korridore und die Treppen hinauf.

   In einem "Speisesaal" erzählen uns mehrere Frauen Bruchstücke aus ihrem Leben und bieten uns Kaffee an. Marina war Schreibkraft. Wir werden ihr am Ende wieder begegnen, während ihre Finger weiterhin präzise über die Schreibmaschinentastatur gleiten. In einem kleinen Zimmer treffen wir Guglielmo und eine junge Frau an seiner Seite, die uns einen Brief vorlesen. Ist sie eine Verwandte von Guglielmo oder auch eine Betreuerin? Ich kann es nicht richtig deuten. In einem Atelier sitzen ein ehemaliger Gondoliere, ein Radfahrer und ein Maler, der Venedig skizziert. Und dann gelangen wir in den letzten Raum. Im Dämmerlicht werden weitere Erinnerungen wach: Geschichten, Tänze, Kinderspiele, Projektionen alter Fotos.

Die jungen Schauspieler sind in ihren Betreuerrollen so überzeugend, dass wir sie erst in dieser Schlussszene als Künstler erkennen. Promemoria ist kein Werk über die Erinnerungen älterer Menschen, sondern ein besonderes Forschungs-, Pädagogik- und Kreativprojekt, in dem Bühnenspezialisten mit "Realitätsspezialisten" zusammenarbeiten, um die Kraft der Gemeinschaft und die Bedeutung von Fürsorge poetisch miteinander zu verbinden.

   Mit diesem außergewöhnlichen Projekt begann meine diesjährige Reise durch die Theaterbiennale. Konzentrierte sich der amerikanische Schauspieler Willem Dafoe in seinem ersten Jahr als künstlerischer Leiter auf die amerikanische Avantgarde, so erweiterte er diesmal seine Auswahl auf Afrika, Asien und Ozeanien. Unter dem Motto "alter NATIVE" suchte Dafoe nach dem "Anderen", um den westlichen Blick zu hinterfragen und neue Interpretationsperspektiven zu eröffnen. "Das Thema hat keine eindeutige Bedeutung, da die Etymologie vage oder suggestiv sein kann. Die Idee ist, 'alter' als Veränderung oder als 'das Andere' und 'NATIVE' als die eigene Natur oder als 'die Herkunftskultur' zu verstehen", erklärt Dafoe. Die 54. Ausgabe der Theaterbiennale, die vom 7. bis 21. Juni stattfand, präsentierte über 55 Veranstaltungen, darunter zehn Weltpremieren und zwei Europapremieren. Diese Vielfalt führte dazu, dass der Vorstand der Biennale Willem Dafoe für die nächsten zwei Jahre als künstlerischen Leiter der Theatersektion bestätigte.

Meine Reise führte mich weiter zu einem magischen Ort: dem prächtigen Teatro Verde, wo der Himmel das Dach bildet – auf der traumhaften Insel San Giorgio Maggiore. Aus Griechenland überraschten hier Christos Stergioglou und Alexandros Drakos Ktistakis mit der konzertanten Aufführung Schreie. Diese ist inspiriert von Gedanken des Dichters Giorgos Seferis, Hekabes Klage aus Euripides’ "Die Troerinnen" und den Schreien all jener, die im Laufe der Jahrhunderte Sklaverei, Vertreibung und Migration erlebt haben.

   Wie Juwelen in eine meisterhaft live dargebotene Musikpartitur eingebettet, verwandelt sich die Textcollage in einen einheitlichen dramatischen Fluss. Ktistakis Originalmusik – er musiziert mit seinem Ensemble auf der Bühne – wird vom Bariton Georgios Iatrou und dem Theater- und Filmregisseur Stergioglou selbst begleitet. Ihre Schreie überwinden historische und soziologische Debatten über Migration und dringen in das breite Feld der Philosophie und Metaphysik ein. Aus dem bewusst minimalistischen Regie- und Bühnenbildkonzept entsteht eine intensive, mitunter sogar verwirrende Inszenierung, gerade aufgrund ihrer scheinbaren historischen Aktualität.

Hewa Rwanda – Brief an die Abwesenden hieß die Produktion des ruandischen Schriftstellers, Schauspielers, Tänzers und Regisseurs Dorcy Rugamba – der unter anderem mit Peter Brook und Milo Rau zusammengearbeitet hat. Die Performance-Lesung gilt als Denkmal für seine Familie. Einziges Bühnenelement ist ein Foto aller seiner Angehörigen, die 1994 in ihrem Haus in Kigali von Hutu-Soldaten ermordet wurden. Das Massaker dauerte weniger als 45 Minuten. Damit begann der 100-tägige Völkermord, dem schätzungsweise 800.000 Menschen der Tutsi-Minderheit zum Opfer fielen.

Rugamba selbst steht auf der Bühne. Die Performance wirkt schlicht. Rugambas vorgelesene Geschichten und Gedichte werden von Live-Gitarren-Loops und der beeindruckenden Stimme des senegalesischen Musikers Majnun begleitet. Bewegende Porträts von Rugambas Familienmitgliedern sowie Anekdoten über seine Geschwister verleihen den Vermissten ein menschliches Gesicht und spiegeln die Bedeutung ihres Lebens wider, anstatt sich allein auf ihren Tod zu konzentrieren. Jedoch offenbaren die vielschichtigen Porträts auch die tragische Geschichte des Landes. "Ich wollte keinen Gedenktext, sondern eine Hymne an das Leben schaffen. Deshalb ist der Ton bewusst von Leichtigkeit, Humor und Poesie geprägt", erklärt Rugamba. Ein Werk, das nicht nur den Schmerz widerspiegelt, sondern auch die Liebe.

   Der talentierte 28-jährige Regisseur Mario Banushi gewann den Silbernen Löwen. Als Vertreter des neuen griechischen Theaters präsentierte er sich auf dem Festival mit Romance familiare, seiner existenziellen Trilogie über Leben und Tod, die ihn über Nacht berühmt machte. "Mit seiner beinahe autobiografischen Geschichte, die Trauer, Abwesenheit und Familientraditionen durchlebt", so die Begründung für die Auszeichnung, "enthüllt sich Mario Banushi durch seine poetische, elliptische Sprache, die eher aus Stille als aus Worten besteht, aber eindringlich und schmerzlich kommunikativ ist." Die drei Kapitel (Ragada; Goodbye, Lindita und Taverna Miresia – Mario, Bella, Anastasia) entführen uns in eine Erinnerungslandschaft, die in den Traditionen der albanischen Kindheit des Autors verwurzelt ist.

Von den beiden Produktionen, die ich miterlebte, sticht Ragada durch den besonderen Austragungsort hervor: Wir befinden uns in einem Zimmer eines alten venezianischen Palastes. Zu Beginn liegt eine ältere Frau nackt auf einem Tisch und wird von Banushi selbst mit Mehl bedeckt. Eine Maske wird aus Teig geformt. Links ist ein Kühlschrank, aus dem eine große Sängerin emporsteigt; hinten eine Wand, die einen geheimnisvollen Raum verbirgt, aus dem die ebenholzschwarze Haut einer anderen Frau leuchtet. Unvergesslich bleibt eine weitere Offenbarung: eine Braut, die hinter einem prächtigen, offenen Buntglasfenster verschwindet, zwischen der Nachmittagssonne und dem Lagunenwasser. Ragada bezieht sich auf das griechische Wort für Dehnungsstreifen. Die Abdrücke, die der Fötus während des Wachstums im Mutterleib auf dem Körper hinterlässt, verblassen mit der Zeit, verschwinden aber nie ganz. Inspiriert von seiner Mutter ist Mario Banushis Debütwerk ein Märchen, erschaffen aus poetischen Visionen und eindrucksvollen Bildern.

   Während der Tod der Stiefmutter als Inspirationsquelle für den zweiten Teil diente, basiert der letzte Teil der Trilogie auf dem Verschwinden seines Vaters. Zentrales Element des Werks Taverna Miresia – Mario, Bella, Anastasia, das im Juli 2023 beim Epidauros Festival in Athen Premiere feierte, ist die Taverne selbst. Ihr Name "Miresia" bedeutet auf Albanisch "Güte". Bella und Anastasia sind die Schwestern des Regisseurs. Auch dieses Werk ist nonverbal. Banushi lädt uns ein, die vom Tod hinterlassenen Spuren in ihren vielfältigen und mitunter überraschenden Formen zu betrachten. In einem gefliesten Badezimmer tritt der Regisseur selbst aus der Dusche, trocknet sich ab und zieht sich für eine Beerdigung an. Während der gesamten Performance ist er teils Akteur, teils Beobachter. Stromausfälle markieren die Szenenwechsel. Um ein im Badezimmer freigelegtes Grab sitzt die ausschließlich aus Frauen bestehende Familie. Banushi hebt aus dem Grab einen Mantel auf und legt ihn über die Lehne eines leeren Stuhls. Sein Vater ist von nun an präsent. Es ist ein bewegender Anfang.

Episodenartige Sequenzen fangen Emotionen, Konflikte und Erinnerungen ein und bewegen sich zwischen Realität und surrealen Interpretationen. Banushi fängt eindrücklich die banalen Handlungen ein, die neben dem schmerzhaften Verlust fortbestehen: das Essen eines gekochten Eies oder den Toilettengang. Zusammen mit den makellosen Darbietungen der Schauspielerinnen unterstreicht dies die Menschlichkeit des Werks. Die fast filmische Ästhetik ist atemberaubend. Eliza Alexandropoulous’ Lichtdesign definiert die Bühne gekonnt neu, sodass vielfältige Erfahrungen visualisiert werden. Während die emotionalen Zustände schwanken, verwebt Jeph Vangers Musik leidenschaftlichen albanischen Frauengesang mit Radiogeräuschen und tiefen Phasen der Stille. Taverna Miresia ist zweifellos eine Produktion, die den Ausdruck von Trauer in all seinen Facetten erforscht – vom Alltäglichen bis zum Surrealen.

   Die renommierte sizilianische Theater- und Opernregisseurin Emma Dante wurde in diesem Jahr mit dem Goldenen Löwen für ihr Lebenswerk ausgezeichnet. Bei dieser Gelegenheit präsentierte sie die Weltpremiere von Basiles Geister, eine Erkundung des fantasievollen und barocken Universums des neapolitanischen Schriftstellers Giambattista Basile, dessen Erzählungen "La scortecata", "Pupo di zucchero. La festa dei morti" und "Re Chicchinella" Dante bereits inszeniert hatte. Das neue Werk enthält einige Fragmente dieser Trilogie und lässt die Geister der Protagonisten wiederaufleben.

Alles beginnt mit Carmine Maringola, einem authentischen und vielseitigen Schauspieler, Emma Dantes Lebens- und Arbeitspartner, der das Publikum auf den Reichtum der Geschichten und der Sprache einstimmt. Auf der Leere der Bühne erscheinen nacheinander zwei ältere Schwestern – in eine davon hatte sich ein König verliebt, der ihre Stimme für die einer jungen Frau hielt (La scortecata); Karl von Anjou, der sich trotz der Bemühungen seiner Höflinge nicht von einem Huhn befreien kann, das in seinem After feststeckt (Re Chicchinella); und schließlich ein alter Mann, der elegant gekleidet den Tag der Toten zu Hause verbringt und mit seinen Verstorbenen spricht (La festa dei morti – Fest der Toten). Die Inszenierung folgt einem präzisen Rhythmus. Unterstützt von zwei weiteren Schauspielern wechselt Carmine Maringola mühelos von einer Rolle zur anderen. Trotz Emma Dantes umfangreicher Vorarbeit mit Basiles Texten bleibt jedoch der Eindruck bestehen, dass die auf der Biennale präsentierte Produktion nur teilweise gelungen ist.

   Das Interesse des Festivals an der jungen Generation spiegelt sich im renommierten Biennale College wider, das in diesem Jahr einen Regisseur und zwei Dramatiker unter 30 Jahren präsentierte. So gab Regisseur Alberto Colombo Sormani mit Imago Vocis – Raumzeit dazwischen sein Festivaldebüt. Darin verbindet er seine Leidenschaft für das Theater mit dem Studium der Astrophysik (er ist Forscher am Nationalen Institut für Kernphysik der Universität La Sapienza in Rom) sowie seinem Interesse an Körpersprache und neuen Technologien. "Eine seltene Mischung aus Ambivalenz und Kühnheit; ein Projekt mit einer Zukunftsvision", so Willem Dafoe in seiner Begründung.

Das Projekt ist von den Theorien der Quantenmechanik inspiriert. Imago Vocis inszeniert Körper, Stimmen und Präsenzen nicht als getrennte Elemente, sondern als Teile eines relationalen Prozesses in kontinuierlicher Entwicklung. Die Bühnenhandlung wird durch projizierte Texte ergänzt. Klänge und Bilder werden live eingefangen und bearbeitet, wodurch wahrnehmbare Vibrationen und Transformationen entstehen, die nicht unmittelbar sichtbar sind. Die audiovisuellen Instrumente werden so zum Mittel, eine andere Realität zu erfahren, die aus Effekten, Resonanzen und Deformationen besteht.

   In Anlehnung an das Biennale College wurde das Projekt "Theaterschulen" ins Leben gerufen, das drei Akademien seine Pforten öffnete. Die Städtische Theaterschule Paolo Grassi aus Mailand inszenierte mit ihren Studierenden des dritten Studienjahres Brechts Klassiker Die heilige Johanna der Schlachthöfe in der Regie von Marco Plini. Die Carlo-Goldoni-Theaterakademie des Teatro Stabile del Veneto präsentierte Comeradovera mit Regisseur Giorgio Sangati und Absolventen des Schauspielprogramms. Das Werk verwebt Stimmungen und Erinnerungen sowie öffentliche und private Ereignisse rund um den Brand des Teatro La Fenice vor dreißig Jahren und hinterfragt das Verhältnis zwischen dem Leben eines Individuums oder einer Gemeinschaft und der traumatischen Erfahrung des Verlustes.

Zum Abschluss würdigte die Theaterschule Neapel gemeinsam mit Regisseur Arturo Cirillo und den Schauspielern des zweiten Studienjahres Enzo Moscato, eine Schlüsselfigur der neapolitanischen Dramaturgie. Zwei seiner Texte aus den 1980er-Jahren wurden zur Neuinszenierung Fünfzehn Frauen mit etwas Erfahrung zusammengebracht. Während des gesamten Festivals fand im Säulensaal des Ca’ Giustinian eine Hommage an Robert Wilson statt. Darüber hinaus zeigte die Kunstbiennale die Ausstellung "Tadeusz Kantor: Emballage, Cricotage und Madame Jarema" auf dem Markusplatz.

   Kein Teilnehmer der Theaterbiennale verpasste den österreichischen Pavillon auf der Kunstbiennale, der eine komplexe Arbeit von Florentina Holzinger präsentierte. Zusammen mit ihren Künstlerinnen übernimmt Holzinger die Rolle der Aufseherinnen der öffentlichen Toiletten des Pavillons, um später zu Protagonistinnen extremer Szenen zu werden: Eine fährt auf einem Jetski im Kreis in einem nur drei Meter großen Becken, eine andere klettert akrobatisch an einer Stange empor, eine dritte treibt ihren Körper bis an die Grenzen der Verrenkung, und die letzte schwingt stündlich wie eine Zunge in Holzingers bereits symbolträchtigen Glocke hin und her. Im Zentrum des Werkes stehen Wasser, Körperflüssigkeiten und die Reflexion über die Zurschaustellung des weiblichen Körpers (immer nackt, aber kraftvoll und am Rande des Unmöglichen).